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Le cinéma d’animation me prit par la main très jeune, place de la cathédrale, à Meaux, devant la vitrine d’une boutique d’antiquité tenue par deux vieilles filles, des soeurs. Des personnages bougeaient sur un cylindre qui tournait et qui m’attirait par sa luminosité, c’était la répétition d’un attelage avec un seul cheval. Plus tard, j’appris que les mémés mentaient en disant que c’était un objet rare puisqu’il ne pouvait s’agir que d’une mauvaise copie du zoopraxiscope d’Eadweard Muybridge de 1879... Plus tard, j’ai présenté des films dans un ciné-club, mais le cinéma d’animation n’intéressait guère. Pour les enfants ! entendais-je… et même Walt Disney n’eut guère plus de succès...

La meilleure définition du film d’animation est certainement l’art d’animer l’immobile, de créer le mouvement par juxtaposition d’images, d’objets ou même de photographies représentant les phases successives d’un même mouvement. Le nom du procédé, c’est « image par image », le très connu : 24 images/seconde, la base du cinéma qui fut suivi par de multiples techniques : le dessin animé peint à la gouache sur cellulo, le film de marionnettes ou d’objets animés, la peinture animée, l’animation de personnages découpés ou tout simplement de personnages vivants, l’écran d’épingles, la stéréoscopie, le film gravé directement peint sur pellicule sans intervention de la caméra, l’animation par ordinateur, l’animation de particules ou de matières.

La préhistoire du film d’animation, ce sont les théâtres d’ombres animées (de Séraphin en 1770 à Caran d’Ache en 1886), le phénakistiscope du Belge Joseph Plateau développé entre 1828 et 1832, le praxinoscope d’Émile Reynaud crée en 1876 avec 12 miroirs (lui succèdera le théâtre optique qu’il brevètera en 1888) et le fameux zoopraxiscope d’Eadweard Muybridge de 1879. Arrive ensuite Louis Lumière, personnage incontournable, créateur du cinématographe. Il reprit les travaux de Reynaud, l’idée lui paraissait simple : utiliser des bandes perforées et souples pour assurer une projection de mouvement continu, sans flou ni sautillement. Mais qui a vraiment inventé le dessin animé ? C’est un sujet très controversé, simplement parce qu’à cette époque, les inventeurs étaient prolifiques…
En 1906, arrive un procédé qui gardera le nom de « mouvement américain », Stuart Blackton vient de réaliser un film qui marquera tous les esprits, « Humorous Phases of Funny Face », une main dessine des personnages qui soudain s’animent ! Tout se précipite. En 1908, Émile Cohl projette au théâtre du Gymnase, à Paris, son dessin animé « Fantasmagorie », croyant être le premier et le seul ; il ignorait avoir été devancé de deux ans par un américain (vive Internet !…). L’animation est considérée à cette époque comme un art majeur. C’est à New York, en 1909, que Winsor McKay projette sur écran un dessin animé, beaucoup plus élaboré, qu’il commentera lui-même : « Gertie le dinosaure » (son Little Nemo sera mis en mouvement en 1911 par Stuart Blackton). Le cinéma découvrait le dessin animé qui lui avait donné naissance. En 1924, Earl Hurd déposa un brevet pour une technique nouvelle, car jusqu’à présent, les films étaient réalisés sur papier. Son truc, c’est le traçage à la gouache sur feuilles translucides, une invention capitale qui va faire passer l’animation artisanale au niveau industriel. En 1916, le studio Barre (issu de la Biograph de Thomas Edison) s’était groupé avec celui de Charles Bowers ; plus tard, ils fonderont les fameux studios d’Astoria ; Earl Hurd, lui, crée celui de la Paramount. En 1927, il produira « Le fermier d’Alfalfa » de Paul Terry puis les films de Max et Dave Fleischer. Viendront ensuite les personnages devenus mythiques : Betty Boop et Popeye. Plus tard, les studios s’installeront en Floride et ce sera le début de l’épopée des longs métrages avec, en 1939, « Les voyages de Gulliver », et « Douce et Criquet s’aimaient d’amour tendre » en 1941. À partir de là se crée une véritable toile d’araignée dans l’industrie cinématographique d’animation avec ruptures et créations de nouvelles sociétés.

Et Tex Avery débarque !... aux studios Fox, en 1930, puis il travaille à la Columbia et à Universal pour arriver finalement chez Warner Bros qui produira les « Looney Tunes », une série de dessins animés où s’enchainent de nombreuses créations : Bugs Bunny, le canard Daffy, le cochon Porky, Elmer Fudd, le chat Sylvestre, Speedy Gonzales le souriceau, et ceux qui m’amusent beaucoup : Bip Bip et le coyote dans leur duo sado-maso. Mais c’est à un Australien, Pat Sullivan, que nous devons la première star du dessin animé : Félix le chat, créé en 1919 en collaboration avec Otto Messmer. Puis les studios MGM lanceront « Happy Harmonies » (de Harman et Ising en 1934, avec un personnage, Bosko, créé alors qu’ils travaillaient pour la Warner) et grâce à Fred Quimby, ils ouvriront une unité regroupant de grands noms dont William Hanna, Friz Freleng et Milt Gross qui aboutira, dans les années 40, à la série explosive « Tom et Jerry ».

Puis arrive le géant : Walt Disney (un empire, cet homme !). C’est à Kansas City en 1922 qu’il fonde, avec son frère Roy, le Laugh-O-Grams studio qui fera rapidement faillite. Ils produisent des féeries animées dont la série « Alice » et « Oswald le lapin » (le précurseur de Mickey !) ; et en 1928, le lapin cèdera la place à Mickey Mouse. Toujours en 1928, vient alors le premier dessin animé sonorisé « Steamboat Willie » ; puis en 1932, le premier en technicolor de la série Silly Symphony : « Flowers and trees ». Maintenant l’idée de Walt Disney est de produire un long métrage, « Blanche neige et les 7 nains », mais pour ce faire, il doit améliorer la technique. En 1937, un an avant « Blanche-Neige », « Le vieux moulin » voit le jour, produit avec la caméra multiplane qui apporte un effet de profondeur. Et l’industrie Disney débute avec une série de longs métrages prestigieux : « Pinocchio » et « Fantasia » en 1940, « Dumbo » en 1941, « Bambi » en 1942, « Cendrillon » en 1950, « Alice au pays des merveilles » en 1951, « Peter Pan » en 1953, « La belle et le clochard » en 1955, « La Belle au Bois dormant » en 1959, « Les 101 Dalmatiens » en 1961, « Merlin l’enchanteur » en 1963, « Le Livre de la Jungle » en 1967. Ensuite, après sa mort, il y aura encore « Les Aristochats » en 1970 qui, à mon sens, garderont l’esprit Disney. Puis, ce sera une autre histoire…

La terre d’élection du dessin animé restera celle des États-Unis, mais côté français, n’oublions pas les trucages de Méliès, il y en eut de fameux, et mon préféré qui reste Paul Grimault, fondateur de la société Les Gémeaux d’où sont sortis de purs joyaux : « Le marchand de notes » en 1941, « La Flûte magique » en 1946, « Le petit soldat » en 1947. « La bergère et le ramoneur » verra le jour en 1953, mais un conflit l’opposera à son producteur, et il ne sortira la version définitive (sous le titre « Le roi et l’oiseau ») qu’en 1979. Elle se verra couronnée par le prix Delluc. Avec lui, travailleront de nouveaux réalisateurs : Jacques Colombat (et son premier court-métrage « Marcel, ta mère t’appelle » en 1963, « Robinson et compagnie » en 1991), Jean-François Laguionie (« La demoiselle et le violoncelliste » en 1965, « L’île de Black mor » en 2003). Mentionnons Topor, René Laloux, et Picha, même si je ne trouve pas tout du meilleur goût… L’animation française s’enrichira avec la collaboration de nombreux dessinateurs étrangers : l’Anglais Peter Foldes, des Polonais comme Borowczyk et Jan Lenica, les Américains Frank Smith et Jules Engel. Les festivals d’Annecy et de Zagreb produisent régulièrement des rencontres et renouvelle les effectifs. Par la suite, les succès commerciaux d’Astérix domineront largement le dessin animé français.

Du Canada, je ne garde que Norman McLaren et sa « Poulette grise » de 1942. Un détour par la Tchécoslovaquie avec Jirí Trnka et son théâtre de bois, des marionnettes qu’il met en scène (« Le rossignol de l’empire de Chine » en 1948, « Le Brave Soldat Chvéïk » en 1955, « Le songe d’une nuit d’été » en 1959).
L’animation en Grande-Bretagne fut longtemps monopolisée par un couple, John Halas et Joy Batchelor. « La ferme des animaux » en 1954 leur apportera un moment de gloire ainsi que « Automania 2000 » en 1963.
Le cinéma d’animation italien a souvent marché sur les traces de Disney. On peut quand même citer Bruno Bozzetto pour son premier film, « Tapum, la storia delle armi » en 1958, « Les deux châteaux » de 1962 et « West and soda » de 1965.
Avec la Roumanie, un nom s’impose : Ion Popesco Gopo (« Homo sapiens » en 1960).
Pour terminer cette évocation des talents européens, un détour par la Bulgarie, riche de cinéastes d’animation : Todor Dinov, Donjo Donev, Ivan Vesselinov.
Pour finir, car on ne peut ignorer le pays du manga, le Japon. Si certains ont dessiné pour la propagande pendant la Seconde Guerre mondiale, ils n’en restent pas moins de grands artistes. Citons « La baleine » de Noburo Ofugi en 1952, ainsi qu’une fable fantastique et raffinée « La tristesse de la Belladonna » de Yamamoto Eiichi en 1973. mais il est infiniment regrettable que ce pays se soit perdu dans des séries télévisées aux mouvements simplistes comme « Goldorak ».
Une mention particulière à « Persepolis » de 2007, de Marjane Satrapi (d’après sa bande dessinée) et Vincent Paronnaud, réalisé en noir et blanc, un beau conte moderne sur l'adolescence, l'exil et la différence.

Pour résumer, on peut dire que, même si Walt Disney dut vaincre à son époque le scepticisme et l’ironie, l’animation a été et restera un laboratoire pour le 7e art qui a stimulé les secteurs de pointe de la recherche. Son plus beau film reste pour moi « Fantasia ». La danse des heures de Ponchielli, ou l’apprenti sorcier de Paul Dukas… Ça, il fallait le faire !

Ah ! comme il m’énervait cet ami qui disait : « C’est une pute ! » car il manifestait là l’un des pires défauts, le mépris.

Ce que j’ai aimé dans « Pretty Woman », c’est le rêve qui se réalise. Dans ce film, Vivian Ward (Julia Roberts) est bouleversante d’opiniâtreté et Edward Lewis (Richard Gere) va découvrir beaucoup sur lui-même grâce à cette empêcheuse de tourner en rond, il ira jusqu’à se fâcher avec son meilleur ami. N’y aurait-il qu’un pas entre celui qui se croit le maître et celle qui risque tout sur la même carte ? Edward Lewis passera d’une neutralité déconcertante, mélange d’argent et d’ennui, à la découverte d’un être de chair et de sang, pétillante de vie, qui va le contraindre à aller jusqu’au bout de ses désirs. Les hommes d’affaires auraient-ils une âme ? Dans ce film… oui ! J’aime ce vendeur à la criée, au début du film, qui répète : « Quel est votre rêve ? » Ce « Quel est votre rêve » donne le ton du film, car sur Hollywood boulevard, à Los Angeles, il n’y a que des fantômes, seules Vivian et sa copine semblent vivantes. On passe une mini-jupe et des cuissardes, un rituel de mauvais goût, et on va faire le plus vieux métier du monde ! C’est là qu’elle rencontre un riche homme d’affaires désabusé, sachant à peine conduire, paradoxe, une voiture de sa condition. Elle prend le volant, puis viennent les enchères. L’homme a autant envie de coucher que de se faire pape, mais Vivian ne se laisse pas impressionner. Dans un premier temps, elle cherche à lui soutirer le maximum. L’une des premières scènes, avec pour thème les préservatifs, est truculente. Je cite : « J’en ai des rouges, des jaunes, des vertes, des bleues, je suis à court de violettes ! Mais il me reste une Gold Circle, la capote des champions. Rien ne passe à travers cette garce ! » Dans la bouche de Vivian, ce n’est pas vulgaire, c’est comique.

Autre morceau de choix, le directeur de l’hôtel de luxe où loge le richissime golden boy, Barney Thompson (impeccablement incarné par Hector Elizondo) qui apprend les bonnes manières à Vivian. Bien que réticent au départ (son hôtel n’est pas un hôtel de passe !), il finira par apprécier cette charmante jeune femme qui se donne autant de mal pour séduire. Car Vivian Ward veut un prince charmant, comme cette salope de Cendrillon (selon les propos de sa copine). Cupidon veille pendant que la petite araignée tisse sa toile et monsieur triste mine, l’homme d’affaires implacable, le requin des rachats d’entreprises en difficulté qui s’est perdu dans l’âge adulte comme le petit Poucet, prendra tout son temps (celui du film !), pour perdre sa carapace et devenir un être normal. C’est un conte moderne entre guimauve et foire des vanités, un film presque innocent, plein de tendresse et de retenue. La belle apprivoise la bête ! Dans un monde cynique à pleurer, c’est rafraichissant, certains diront : trop beau pour être vrai…

Le réalisateur Garry Marshall nous a fait du sucré, une œuvre totalement irréaliste qui fonctionne très bien, mais attention, ça ne marchera qu’une fois. Marshall essayera de reprendre la recette dans « Just Married », mais la mayonnaise ne prendra pas, car il n’y a jamais eu qu’une seule Belle au bois dormant, une seule Cendrillon ! « Pretty Woman » sera, grâce à Julia Roberts et à Richard Gere, le film le plus populaire de l’année 1990, il y avait longtemps qu’Hollywood n’avait pas distillé et répandu ce petit charme indéfinissable qui fait les soirées réussies...

Pour l’anecdote, un point reste à éclaircir, le rôle de l’actrice Shelley Michelle… Bien sûr, vous avez deviné, c’est la doublure de Julia Roberts dans les scènes au lit. Les actrices américaines ne veulent pas que leurs petits défauts apparaissent à l’écran, c’est dans le contrat, mais ça ne casse même pas l’ambiance…

Je vous quitte, ce soir, sur deux très belles scènes, Vivian à l’opéra, émue aux larmes, et celle de la fin, son prince charmant toujours aussi gauche (et avec le vertige) qui grimpe pour aller chercher sa belle, par l’échelle extérieure, un bouquet de fleurs à la main, sur la Traviata de Verdi, pas même honteux de la posture ! Le rideau tombe et l’on entend encore : « Quel est votre rêve ?... »

       

James Dean, c’est le rebelle, le romantique tué dans sa course.

Né dans l’Indiana en 1931, son enfance fut une lente errance d’une ferme du Midwest à la Californie, puis à nouveau vers l’Indiana à la mort de sa mère en 1940. Après des études à Santa Monica et Los Angeles, il apparaît dans quelques téléfilms puis en 1952, il joue à Broadway dans « See the Jaguar ». Au cinéma, on le voit en 1951 dans « Baïonnette au canon » de Samuel Fuller, en 1952 dans « La Polka des marins » de Hal Walker et dans « Qui donc a vu ma belle ? » de Douglas Sirk, en 1953 dans « L’Homme de bonne volonté » de Michael Curtiz.

En 1954, c’est son interprétation dans « The immoralist » adapté du roman d’André Gide qui séduit Kazan pour le rôle de Carl Trask, l’adolescent incompris, sauvage et malheureux de « À l’est d’Éden ». James Dean s’intéresse aux méthodes d’identification physique et psychologique de l’Actor's Studio et travaille très sérieusement l’expression corporelle et ses rôles, mais sa passion, c’est la vitesse et les courses automobiles, et ce sera son destin.
Peu à peu, son attitude agace. Il arrive en retard aux répétitions, brocarde la vedette, grossier ou enjôleur, on le trouve infréquentable. Ce n’est pas un hasard s’il incarne Jim Stark dans « La Fureur de vivre » de Nicholas Ray en 1955. Le tournage de « Géant » tourne au cauchemar, il veut imposer ses idées à Georges Stevens qui ne le supporte plus. Les acteurs ne lui adressent plus la parole. Son contrat stipule qu’il ne doit pas participer à des courses automobiles pendant le tournage, quinze jours après, le 30 septembre, il se tue sur la route de Salinas alors qu’il se rendait à une compétition.

Sa mort déchaine aux États-Unis une hystérie collective comparable à celle de Rudolf Valentino en 1926. À la différence que Valentino était idolâtré tandis que la jeunesse américaine s’était identifiée à James Dean. Pour la première fois, un très jeune homme incarnant la même révolte apparaissait à l’écran. Tous les ingrédients étaient réunis, le désarroi au changement des valeurs, la guerre froide, la guerre de Corée qui accentuaient un sentiment de solitude et d’incompréhension pour une jeunesse qui se cherchait un avenir. James Dean, avec son allure peu soignée et sa hargne, était devenu, sans en être conscient, le porte-parole de cette jeunesse. Accroché à son fusil dans Géant, et soudainement décroché de la vie sur la route de Salinas, il était l’errant dont l’appel se perd dans la nuit. Sa plus grande surprise fut la mort et cette fois, ce n’était pas du cinéma...